Festival Jazz à Sète Programme 2026

La légende de la guitare jazz manouche, Django Reinhardt, continue d’inspirer des générations de musiciens à travers le monde. Pour célébrer son héritage exceptionnel, nous avons le plaisir de vous inviter à une soirée unique. Cet événement rassemblera des artistes de talent qui rendront hommage à l’œuvre de Django Reinhardt autant qu’à son esprit swing, en interprétant ses compositions emblématiques et en célébrant l’esprit créatif qui a marqué le jazz manouche.

Nous aurons le plaisir d’accueillir Angelo Debarre; Mozes Rosenberg; Rosenberg Stochelo; Adrien Moignard; Fanou Torracintta; Hugo Guezbar; Anne Sila; Baptiste Herbin; William Brunard; Diego Imbert…

Tous ensemble, ces artistes se distinguent par leur capacité à interpréter des compositions classiques tout en apportant leur propre touche personnelle, que ce soit à travers leur technique, leur créativité ou leur sensibilité musicale. Leur engagement à préserver et à faire vivre l’héritage de Django Reinhardt, tout en explorant l’esprit du swing, en fait des figures importantes de la scène jazz actuelle. Ensemble, ils créent une expérience musicale riche et variée qui rend hommage à la tradition tout en mettant en avant l’innovation et le plaisir de la performance live.

Rejoignez-nous pour célébrer la musique et l’héritage de Django Reinhardt dans une ambiance chaleureuse et festive. Préparez-vous à être transportés par le son enchanteur du jazz manouche et à vivre une soirée mémorable placée sous le signe de l’émotion et de la passion musicale.

A New York “THE GETDOWN”veut dire jouer de la musique ou danser, de manière efficace et contagieuse… et prendre du bon temps à faire la fête.

À Paris, c’est un collectif dirigé par l’organiste Laurent Coulondre et le batteur Arnaud Dolmen. Ils sont le cœur battant de cette aventure à géométrie variable. Une formule totalement inédite et franchement spectaculaire. De l’orgue, de la batterie, du Fender, du piano, des claviers… ce groupe réunit d’immenses talents laissant chacun leur égo de côté pour parler musique, connivence et plaisir de jouer ensemble !!

C’est un all stars au service du groove et de la fête. Il y aura de la Guadeloupe, de Cuba, beaucoup de caraïbes, mais aussi bien sûr du swing, du funk, des mélodies, du jazz et si l’on devait leur trouver une influence commune, c’est celle tutélaire et joyeuse de Michel Petrucciani.

Originaire du Bronx, Samara Joy se passionne pour le R&B classique dès son enfance et fait ses débuts en tant que chanteuse dans la chorale gospel de son église. Elle ne s’intéresse à la tradition jazz qu’à l’université. Au cours de ses études, elle remporte le concours international de chant jazz Sarah Vaughan 2019, qui l’a fait connaître sur la scène jazz comme une étoile montante à suivre.
Son premier album “Samara Joy” lui vaut un Grammy Award dans la catégorie “Meilleur album vocal de jazz”, en plus d’une victoire très médiatisée dans la catégorie “Meilleure nouvelle artiste”.

Son nouvel album chez Verve, “Portrait”, coproduit avec le trompettiste et chef d’orchestre Brian Lynch, plusieurs fois récompensé aux Grammy Awards, met en valeur la complicité intime et émouvante qu’elle a développée avec son groupe de tournée. “Portrait” met également en lumière ses talents naissants de parolière, dans des arrangements ingénieux qui mêlent ses paroles réfléchies à la musique de Charles Mingus, Sun Ra et de son défunt mentor Barry Harris.

Mené par la captivante contrebassiste et chanteuse Naïma Girou depuis 2016, le Naïma Quartet est soudé par un son singulier et puissant, construit au fil du temps, et par une profonde amitié qu’ils nous font partager chaleureusement.
Si le son du Naïma Quartet est si spécial, c’est parce qu’il met en valeur chacun d’eux. Les influences et les caractères se croisent dans une harmonie fraîche et naturelle.
La voix claire et envoûtante de Naïma flotte sur les envolées de Jules Le Risbé au piano, traversées par le frémissement magnétique de la guitare de John Owens. Leurs sons résonnent et rebondissent aux impulsions de Thomas Doméné à la batterie.

Porté par la voix magnétique de Selah Sue, ce projet est le fruit d’une collaboration vibrante entre l’icône belge et le duo père-fils Stéphane et Elvin Galland. Construit à l’origine autour de l’univers musical des Gallands, mêlant grooves organiques, jazz contemporain et production avant-gardiste, le projet a pris une nouvelle dimension lorsque Selah Sue a transformé leurs créations instrumentales en chansons puissantes, alliant intensité soul et énergie scénique électrisante.
Sur scène comme en studio, ce trio atteint un équilibre rare : la virtuosité de Stéphane (Aka Moon, Ibrahim Maalouf), l’audace et la fraîcheur d’Elvin (Damso, Helena, Manu Katché), et la voix et la présence inimitables de Selah Sue. Ensemble, ils créent un son hybride qui relie les générations et les langages musicaux.
Leur premier concert au Jazz Middelheim a révélé une alchimie indéniable. Un album est en préparation, et une tournée à grande échelle est prévue de mars à septembre 2026, avec une section rythmique solide composée de Louise van den Heuvel à la basse, Stéphane Galland à la batterie, Elvin Galland aux claviers, ainsi que Sanne Putseys (Selah Sue) accompagnée de ses exceptionnelles choristes, Stéphanie Rugurika et Judith Okon. Selah Sue and The Gallands proposent une musique libre, vibrante et profondément vivante, où chaque performance devient une expérience unique.

Antoine Boyer a bu aux sources les plus authentiques du jazz manouche, disciple en particulier des maîtres Mandino Reinhardt et Francis Alfred Moerman. Il a été programmé par la plupart des festivals consacrés au swing manouche aux Etats-Unis et en Europe, et a partagé la scène avec des artistes tels que, Stochelo Rosenberg, Angelo Debarre, Raphael Faÿs et bien d’autres. En plus de sa maîtrise du jazz manouche, Antoine est également un guitariste classique, remportant le prestigieux Concours de Guitare Classique de Montigny en 2015 et recevant le prix « Révélation Guitare Classique 2016 » du célèbre magazine français Guitare Classique.

Yeore Kim harmoniciste, évolue depuis son plus jeune âge sur la scène coréenne du jazz. Multi-instrumentiste, elle excelle à la trompette, à la batterie, au violoncelle et au piano. Diplômée de la Seoul Music University, c’est en temps qu’harmoniciste qu’elle remporte les concours du Asia Pacific Harmonica Festival, du Festival international d’harmonica de Séoul et du World Harmonica Festival. Yeore est diplômée de l’Université de Musique de Séoul et a remporté des victoires lors de prestigieux concours tels que le Festival Harmonica de l’Asie-Pacifique, le Festival Harmonica de Séoul et le Festival Mondial de l’Harmonica. Elle a prêté ses talents à divers groupes de musique, tournant abondamment en Corée, en Inde, au Japon et plus récemment en Europe, dans des genres allant du jazz et du reggae aux collaborations théâtrales, au tango, à la pop et au rock.

Les chemins d’Antoine et de Yeore se sont croisés en 2018 au Festival de Jazz Manouche de Taipei, à Taïwan, où ils ont partagé la scène pour la première fois. La magie de leur connexion s’imposant comme une évidence, ils la prolongent en formant un duo, dans la musique…et dans la vie. Leur synergie ne connaît aucune limite, captivant le public avec un répertoire allant de standards de pop et de jazz à des compositions originales poétiques et singulières. La danse de la guitare et de l’harmonica transporte le public dans un univers où chaque note raconte une histoire.

L’art unique de Diana Krall transcende tous les styles musicaux et a fait d’elle l’une des artistes les plus reconnaissables de notre époque. Comme l’a récemment souligné le New York Times, elle possède « une voix à la fois fraîche et sulfureuse, maniée avec une sophistication rythmique ». Elle est la seule chanteuse de jazz dont huit albums se sont hissés en tête du classement Billboard Jazz Albums.
À ce jour, ses albums ont été récompensés par deux Grammy® Awards, dix Juno® Awards et neuf disques d’or, trois disques de platine et sept albums multi-platine.

Ses tournées dans le monde entier sont des succès : deux Olympia complets en 2024, concerts à guichets fermés, plus grands festivals de jazz et salles de concert d’Amérique du Nord, d’Europe, d’Asie et d’Australie.

Crée en 2015, Jessie Lee & The Alchemists est un quintet de modern blues-rock co-leadé par la chanteuse-guitariste Jessie Lee et par le guitariste-compositeur Alexis “Mr AL” Didier, soutenus par le bassiste Laurent Cokelaere, le batteur Stéphane Minana et l’organiste Laurian Daire.
Les influences anglo-saxones du groupe sont très larges, allant du blues au rock, en passant par la soul, la pop et même le jazz. La musique qu’ils créent est moderne, originale, nourrie de traditions, alliant émotion, liberté et puissance.
Après trois ans d’existence et de concerts à travers toute la France, un premier album éponyme voit le jour en 2018. L’accueil est excellent et le public au rendez- vous.
Qualifiés d’ “Espoir de la scène blues européenne”, lauréats de 5 prix lors de l’International Mississippi Blues Trail challenge en 2018 et vainqueurs du challenge France Blues 2019, les alchimistes voient les portes de l’Europe s’ouvrir à eux et remportent un vif succès auprès du public.
Les alchimistes voient grand et concoctent une grosse production.
C’est ainsi que sort le 7 mai 2021 “Let It Shine” chez le label Dixiefrog. Mixé par le célèbre Kevin Shirley -entièrement en analogique, tout comme le mastering de Globe Audio afin de rester fidèle aux influences musicales ayant inspirés l’écriture- l’album se révèle puissant et surprenant. Chaque morceau est un tableau, un voyage à la croisée des styles, qui met immédiatement en perspective le talent vocal incroyable de Jessie Lee auquel il ne faudrait surtout pas oublier celui de la guitariste inspirée, que le propos soit rythmique ou soliste. Associée à la virtuosité et au lyrisme du jeu de guitare d’Alexis “Mr AL” Didier – qui signe également la composition et la réalisation de l’album –, la formule fait mouche à tous les coups.
S’en suit une tournée européenne, ponctuée par une place dans le top 5 lors du European Blues Challenge 2022 à Malmö (Suède) et un public plus que conquis lors de la première partie de Jeff Beck en juillet 2022 à L’Olympia (Paris).
En 2024, le groupe reçoit le prix Cognac Blues Passions lors de la 31ème édition du festival, et un vinyle édition limitée où figure une version inédite du titre “Another”, enregistré lors des Rolling Stone Live Sessions, sort le 1er septembre 2024.
Le groupe a annoncé la sortie de son 3ème album « Legacy » le 4 juillet 2025 sur le label Binaural Production.

Regarder Robben Ford monter sur scène est à la fois gratifiant, impressionnant et stimulant : un mélange parfait de créativité et d’émotion qui donne lieu à une excellente musique. Dès les premières notes, vous réalisez que vous êtes en présence d’un maître de la guitare.

Avec cinq nominations aux Grammy Awards, une carrière solo longue de cinquante ans et un CV qui comprend Jimmy Witherspoon, Miles Davis, Joni Mitchell, George Harrison et bien d’autres, la musique est pour Robben Ford une véritable vocation. Durant ses concerts, Robben se nourrit de l’énergie du public et est prêt à vous surprendre à tout moment. Une expérience à ne pas manquer !

Ayant déjà enregistré plus de 16 albums sous son propre nom, il sortira son dernier album au début du printemps 2026. Intitulé “Two shades of blue”, il comprendra cinq morceaux de rhythm and blues puissants, dont une reprise de “Jealous Guy” de John Lennon ainsi que trois morceaux instrumentaux en hommage au regretté Jeff Beck.

Sur scène, le duo charismatique formé par les chanteuses Mélina Tobiana et Sophie Darly, le trompettiste Stéphane Belmondo et soutenus par une rythmique impeccable composée de Alfio Origlio, Thomas Doméné, et Nicolas Mirande , transforme « Influences » en une invitation au voyage.
Ce moment de poésie intemporelle oscille entre la mélancolie et la luminosité, captivant l’auditoire avec une élégance indéniable.
L’ensemble crée une expérience artistique unique, marquée par la signature stylistique inimitable de Louis Martinez.

Compositrice, chanteuse et artiste visuelle, Cécile McLorin Salvant est avant tout une passionnée du storytelling. Explorant les connexions entre le vaudeville et le musical, le jazz et le blues, le baroque et le folklore, la chanteuse est une défricheuse émérite des compositions à forte dimension narrative qui brillent par leurs nuances, leurs retournements inattendus et leur humour.

Son nouvel opus Oh Snap n’échappe pas à cet éclectisme. L’album comprend douze chansons très personnelles de Salvant, enregistrées en grande partie hors d’un studio traditionnel et reflétant ses goûts et influences multiples. On y retrouve ses collaborateurs de longue date Sullivan Fortner (piano), Yasushi Nakamura (contrebasse) et Kyle Poole (batterie) ; une formation quartet qui l’accompagnera également sur ses prochains concerts en France.

La première chose à savoir à propos de cette nouvelle suite de chansons, c’est qu’elle n’était jamais censée quitter le disque dur de son ordinateur.
La chanteuse et compositrice (triple lauréate aux Grammy Awards, et doublement récompensée aux Victoires du Jazz) a écrit ces morceaux courts et intensément personnels dans le cadre d’une quête créative : placer la spontanéité et la joie au cœur de son processus d’écriture.

Après des années passées à écrire et enregistrer des albums visionnaires — et salués par la critique — comme Ghost Song (2022) et Mélusine (2023), Salvant s’est lancée le défi d’aborder la composition autrement. « Je me suis demandé : Comment ramener la musique au plus près de moi, intimement ? La seule façon d’y parvenir c’était de faire comme si personne n’allait l’entendre — pas même les autres musiciens.

Ludivine Issambourg est une l’une des flûtistes, compositrices et productrices les plus reconnues en France depuis près de 15 ans, et dont le talent a séduit des artistes tels que Wax Tailor, Eric Legnini, Chassol, Nils Landgren, Cut Killer, Christian Escoudé, Bluey d’Incognito, Brian Jackson, Catherine Ringer, Angélique Kidjo,…

Ludivine présente « Above The Laws« , la suite tant attendue de son album « Outlaws« , en hommage aux années jazz funk du grand flûtiste américain Hubert Laws. Cette fois, elle explore d’autres légendes de cet instrument (Jeremy Steig, Ronald Snijders, Bobbi Humphrey, Dave Valentin), s’inspirant d’un spectre plus large soul et groove (Gil Scott Heron, Incognito, Snarky Puppies) avec des compositions et des collaborations exceptionnelles de Brian Jackson, Nils Landgren, Eric Legnini, Laurent de Wilde, Wolfgang Valbrun. Un opus salué par la critique et le public, qui enthousiasme encore plus sur scène lorsque Ludivine s’y produit avec son imparable sextet jazz funk !

La pianiste, chanteuse, et autrice-compositrice Eliane Elias est multi-récompensée de Grammy et Latin Grammy Awards.
Son style musical est unique et immédiatement reconnaissable dans le jazz et dans la musique brésilienne. Elle mélange ses racines brésiliennes et sa voix séduisante avec sa virtuosité instrumentale dans le domaine du jazz, de la musique classique et de la composition, tout en démontrant constamment sa maîtrise du piano et sa capacité à intégrer les nombreux rôles artistiques qu’elle endosse.